ROME - COLOSSEUM NEW THEATER

Saturday 12 January at 21 hours Sunday 13 January 17

I XLAB presents STORY OF MANDALA conciliation stage for voice and datasuit

by FRANCESCA OF MONICA edited by Mauro Lupone

Hypertext and dramaturgy ANDREA Balzola Music, Sound design and audio interaction MAURO Lupone Video THEO with ESHETU the collaboration of SAMUELE MALFATTI with the participation of ANDREA CARABELLI, MARION D'HAMBURG, CATHERINE DE REGIBUS, maximum green, FRANCESCO AND COURSES RICCARDO Costumes MARION D ' HAMBURG Technical Audio GIANLUCA CAVALLINI Coordination, Logistics and Documentation ANNA MARIA MONTEVERDI

The Tales of the Mandala is an interactive tecnospettacolo where the signs are expanding in a send immersivo consists of a wrap-around score of words, sounds, gestures and images. From body-item of the performer FRANCESCA OF MONICA activates a stream of video images and sound processing that follow the hypertext and labyrinthine drama written by ANDREA Balzola. A dress with sensor technology will be the center of generation of digital audiovisual actions create a sound score by composer interactive electronic MAURO Lupone in which you plug the video the artist THEO processing in collaboration with ESHETU SAMUELE MALFATTI

Info and reservations: Anna Maria Monteverdi +39 328 5416 581

anna.monteverdi @ gmail.com

Press XLabfactory: Giovanna Nicolai +39 333 6638 186
giovanna.nicolai @ libero.it

COLOSSEUM NEW THEATER Via Capo d'Africa, 29 _PRESS OFFICE Theater: Sabrina Andreocci

Every year in early January, will pull the money. Winners and losers, successes and failures, surprises and disappointments of a season are cut and analyzed. The spontaneous reflection on Italian cinema had already done the time not suspected. So take advantage of the usual examination of conscience year-end to focus our attention on a particular film genre: the documentary.

In order to properly analyze a phenomenon we must, above all, know the amount. In 2007, in Italy, were produced 97 documentaries, very large number if included in the overall context of production Nostrana. During the same period, in fact, the amount of film reaches the 89 fiction films. It 'obvious that different production costs and greater adaptability of the documentary to new technologies will facilitate the achievement but it is equally clear that the culture of the documentary is well developed in the country. With this form, you not only continue to challenge established directors (In factory Francesca Comencini, A Foot in Earth and the other in Sea Silvio Soldini), but also confront the new generations (2006 to Auschwitz Saverio Costanzo). Beside them, in addition, Italy has some great interpreters of the genre that even in 2007, have helped to raise the level of Made in Italy (Talsi Corso Salani, the streets of drugs Mellara Michele and Alessandro Rossi).

Faced with production so interesting and diverse italiana but distribution remains blind. Of the 97 titles only one, we also rose to Alina Marazzi, is scheduled for publication in 2008. For that reason are vitally important festivals and exhibitions, which, unlike salt, show a growing interest in the genre. Born so whole sections parallel, the last Italian DOC festival in Turin, dedicated to the promotion and dissemination of the documentary. Precisely at a festival, that Cinemambiente that always makes the documentary his reason, the meeting with directors and Mellara Rossi has shown us as well from the problem of distribution appears crucial. Distribution, of course, no way reflect mainstream. For films like these small circuits, clubs, cinemas d'essai should be a safe harbor, a meeting place, a center of interest. But is not the case. Except festival only seems interested in television documentary. Both satellite channels that the general networks, especially RAI 3, have managed to carve a space for documentary films such as allowing a 99 Amaranth Federico Micali to become a small media phenomena. Once again the much bistrattata television can recover what too hastily dismissed the cinema has. A closer inspection, however, it would seem natural. The Italian distribution system is moving in a pattern that recalls the structure of the network flagship broadcaster generalists. As for the latter is therefore unthinkable that a documentary videos on cinema screens. The target audience of this kind is indeed too small to respond to a market which is the amount his totem. This policy, however, hardly challenged. But the difference between small and big screen is the presence, on TV, next to the networks by large share of satellite channels are not forced to chase important numerical results and therefore free to base their schedules on quality. The proliferation of media, the first satellite and digital terrestrial then, has exponentially increased these opportunities.
For their operators and distributors do not seem interested in a policy that diversifies its investments. Indeed, just watch out for Christmas to note that it is preferable to multiply the number of rooms in which the projected cinepanettoni rather than spend even a small room for niche cinema.

So thanks to the possibilities of home video, in festivals and on television, but mainly to the efforts of filmmakers and authors the Italian documentary tackles in 2008 with the right momentum. Many films, often by the high quality, are the baggage that this brings with it from the old year. These were the foundations for the Italian film industry could be really happy toast.

"My heart has more rooms of a brothel" but the mind, the soul can be left blank, blemish for one who has loved first. E 'This, in short, the heart of Romantic Love in the Time of Cholera Mike Newell.

"Life is not the one who has lived, but what you remember and you remember how to tell." E 'enough of this sentence Nobel Prize Gabriel García Márquez, author of the novel from which the film is based, to understand the structure and logic of this film. Memory and narrative, fiction and reality are pieces of a puzzle with which Newell, sin dall'iniziale flashback, reconstructs the figure of Florentino Ariza. And it is telling of the game to make the impossible possible. So Florentino, who notes with detail all his love adventures in a notebook, can magically remain virgin. And 'the power of memory, which clears and hoaxer. E 'poetry that tell the joke, in the pages of a book or in the middle of a film, with the truth. Why, after all, before agl'occhi smile and now senior Fermin old Florentino is truly immaculate. Everything that we have been told is just a memory, a sign that vanishes. And in this vanish in the past that you cancel, in which more than gl'anni that sweeps away, delete the names from the notebook explodes the romance of this tale. A modern fairy tale that transforms even the drama of cholera, plague initially represented as fatal in half, a vehicle to triumph the last breath of love.

What Mike Newell, director able to move easily from light tones of Four Weddings and a Funeral to the most agitated of Donnie Brasco, an adaptation designed to enhance the romantic and sentimental tone of the original novel. That the writing Gabriel García Márquez will give a similar operation was a foreseeable risk but the purpose of Newell appears, at times, too shameless. But thanks all'ennesima proof of actor Javier Bardem, capable of divincolarsi often dall'aura melensa around him, the film still runs without weighing almost never sull'attenzione the viewer. Next to him, in the role of Fermin, a Giovanna Mezzogiorno not get too often and too theatrical. To her, and make-up, should be given the ability to turn into an old lady of the early twentieth with great credibility.

If you feel the need to spend a couple of hours of love and molasses or if you need some romantic words that you can pin this film seems the perfect solution.

Donald Spoto is one of the finest and universally known biographers of movie stars. Appreciated for its detailed and always tasty real-life stories related to famous actors and film directors, has managed, thanks to his deep knowledge of the facts and his style spicy, penetrate the most hidden corners of lives took place mainly under spotlight, illuminating through its private anecdotes (see the Marylin).

Note care Carthusians is deployed mainly by the preliminary work of acquiring and collecting the material always comes from a myriad of disparate sources but always reliable, are not even aware of this latest biography focuses on the life of a great interpreter of the screen and stage Ingrid Bergman as the actress who, to paraphrase a title of beloved Hitchcock, lived several times. A childhood sad and lonely, his, un'adolescenza spending in all its visceral love for the theater and acting, spent his youth to collect the first success, first in Sweden and then in Hollywood, reports the troubled and complicated sentimental bond with the first-Pia maturity, the delicate phase of the masterpieces made with Rossellini and the scandal of outside marriage, the personal revenge followed it, as women and as a muse of other important European filmmakers (Renoir, Bergman), the terrible disease that the hit. In each of these challenges with life, always find the light and, finally, victorious, his unshakable strong force, the hardening of its regulated subsidiary of Sweden who do not ever leave.
Spoto will provide loving frames, prepared in an imaginative style romance, especially those crucial chapters of the life of Bergman wrapped dall'oscurità more dense. And 'the case of his troubled childhood, suffered numerous deaths and marked by frequent moves from one relative to another, from Sweden to Germany. The various chapters that make up this story of real life gives argued with reconstructions of the vibrant throb that they have had in reality. And like those exciting moments dell'appassionata never doma, cavalcade of earthly Ingrid Bergman, must have been filled. Spoto really satisfied everyone: those who are looking for curiosities related to his most famous film directors or that directed (from Casablanca to Notorius), and who, perhaps, is more intrigued by its relations with men like the legendary photographer Robert Capa or other colleagues more or less known that the Swedish passion was in turn linked.

A reading godibilissima, even for those who are outside the large crowd of admirers of the (anti) Swedish diva, who seems to have one, even if not negligible, sins. The optical smear taken against several of her partner, a position endorsed by Manichean clearly stand out to make the size statuary: How was really a holy martyr like Joan of Arc so revered by a woman, made unforgettable too much from its mistakes land, which makes us very dear and close its human weaknesses. And so in many, the director Victor Fleming, wound up in a few words like grotesque latin lover in old age, charming drunk guest, which sent the pathetic cards, to Roberto Rossellini, the second husband and her guest, loving relationship far more important - to that of the same Bergman - and father of three of her four children. Rossellini is branded as a kind of genius very "alleged" and not real, Spoto says while caring for his readers that in reality, yes, Rome Open City was an important film, but already Paisan was but a kind of muddle narrative. In fact, throwing so much discredit on the non-existent moral of the main companions of life of Ingrid, the paradoxical effect is to seem un'avventata a woman, elsewhere, we will endeavor to show how ready with intelligence and intuitiveness lively. But this is really the only fact that you can make a Volume very voluminous and that really is found throughout the life of quest'interprete both loved and generous. Read to believe.

Twenty-five years without Ingrid

Author: Tiromancino

Title: The Sunrise Tomorrow

Label: Cservizi

Tracklist: 1) Angles Of Heaven 2) Sunrise Tomorrow 3) Another Mare 4) Stop Making Numbers 5) Kill The Pain 6) Niña De Luna 7) Poor Men Black Bifamiliare 9) Not For The Eternity 10) Boundary Line 11) Empty Can 12) Roma aisle 13) Blue

The Cd, in trade for some time, is also a tasty extra Collector's edition of Nero Bifamiliare published by the World Home Enterteinment

L 'University of Salerno has opened the fifth edition of Filmidea, review of meetings and seminars with the protagonists of Italian and international cinema. As in years past, the new bill is packed with meetings in December opens with the M ° Nicola rainwater, while in January it continues with Toni Servillo, the actor Pier Francesco Savino and Pupi Avati. The American director Spike Lee will be the guest most since February to end the cycle of events. The bishop of cinema afroamericano commitment, often struggling with the issue of racial conflicts among different communities U.S., he directed in his last film The Miracle of Sant'Anna, whose output in the halls is scheduled for 2008 . The film recounts the events surrounding the Nazi massacre consumed on August 12 1944 in Sant'Anna di Stazzema in Versilia and draws inspiration from the novel by James McBride.
Alongside the debates, suggests Filmidea projections of some films directed by visitors in the program.

Students but also simple in rewarded fans have years of continuous growth Filmidea, an event desired by the chairs of Contemporary History, History of Cinema, Sociology of Religion and History of Film Critics and the University of Salerno. A successful enshrined in the presence of Monicelli, Tornatore, Sordi, Morricone, Baudo, Scola, Ligabue, Battiato, Ferretti and many other names seen in the cinema and entertainment. Fulcrum of the initiative is to bring young players to the university of those works that are most often studied during the courses. A chance to check the bed, to deepen the knowledge or simply let stir by those who excel in art. Ma Filmidea è soprattutto “un progetto pedagogico che ha come centro il cinema”, così come lo definisce uno dei suoi promotori, il docente di Storia Contemporanea Pietro Cavallo. Nasce dall’esigenza di integrare o arricchire lo studio della storia e della settima arte. “Affinare la vista” è una necessità di fronte al dilagare incontrollato delle immagini che affollano lo sguardo e che impoveriscono sempre più lo sguardo. Soffermarsi sui perché di alcune sequenze, sul loro senso, sui loro rimandi alla realtà, ma anche sui “segreti” del mestiere di autore è un momento prezioso per comprendere i meccanismi che sono alla base della creazione dell’immaginario culturale moderno.

Primo ciack il 13 dicembre con il premio oscar Nicola Piovani , autore di colonne sonore per Fellini, Bellocchio, Moretti e Benigni, capace di cimentarsi fra generi e registri narrativi molto diversi fra loro. Rispettando la consueta formula di Filmidea che vede gli ospiti subito “bersagli” privilegiati delle domande del pubblico, Piovani si è aperto alla curiosità della platea che lo ha calorosamente accolto nel teatro dell’ateneo salernitano. Fra i temi toccati, si è soffermato sul modo di pensare al cinema, il metodo di lavoro dall’ideazione agli arrangiamenti finali di una colonna sonora, senza dimenticare alcuni aneddoti appassionati sul periodo in cui ha lavorato ed ha stretto amicizia con Federico Fellini, Bellocchio, Moretti e con Benigni.

Il maestro ha rotto subito il ghiaccio, salutando i suoi interlocutori con una battuta rubata a Monicelli a proposito del segreto per rimanere giovani “Ad un certo punto, bisogna smettere di frequentare i coetanei stare con chi ha meno anni di te…”, una frase con la quale ha voluto esprimere il piacere che ha nell’incontrare i ragazzi delle scuole e delle università. Ha poi delineato quello che potrebbe essere un sogno, un’utopia sul cinema “Amo l’aspetto artigianale dell’arte ed il cinema dovrebbe ritornare ad avere la dignità di un’arte. Così come si fa con le opere d’arte visiva, quadri, sculture, videoarte ecc, nei musei dovrebbero permettere la proiezione continua dei grandi capolavori del cinema, così che tutti ne possano fruire”.

L’incontro è poi entrato nel vivo quando Piovani, in risposta ad una domanda del pubblico, ha spiegato passo dopo passo il suo metodo di lavoro ad una colonna sonora. Ha esordito precisando come ogni regista abbia le sue esigenze particolari e che, di conseguenza, con ognuno si instauri un rapporto diverso. In alcuni casi, come per Caro Diario di Moretti, ha dovuto lavorare in soli dieci giorni su un film già completo. Nelle situazioni “più comode”, come nell’attuale impegno con Liorret, i tempi di produzione sono più rilassati e c’è la possibilità di lavorare in maniera accurata. Il compositore ha raccontato di come la sua prima linea compositiva fosse nata già al telefono con il regista francese. Mentre costui elencava gli attori del cast, Piovani cercava le loro foto sulla rete e, partendo dai volti e dalla prima stesura della sceneggiatura, iniziava a tratteggiare le prime impressioni che avrebbe sviluppato successivamente. “Con il regista si lavora molto nella prima fase della produzione, si raccolgono le sue idee, si dibatte sulle scelte stilistiche. Durante le riprese, il regista è come se scomparisse, diventa irreperibile per tutti quelli che non sono sul set. In seguito un lavoro di rifinitura, prima sulle bozze del girato, poi sulle sequenze definitive”. Proseguendo nella spiegazione, Piovani ha descritto la fase in cui si giunge, a montaggio concluso, ad uno schema definitivo in cui sono indicati il numero e la durata dei brani da inserire nelle scene. C’è quindi la fase che cita come una delle più creative e stimolanti, quella della direzione durante la registrazione. A differenza del tempo musicale, il montaggio cinematografico non è isoritmico, ha continue accelerazioni, cadenze non regolari e per questo bisogna adattare quanto più possibile la musica al lavoro del montatore. Una competenza questa che si esprime durante la direzione di un’orchestra. Altro aspetto fondamentale nella composizione, è la scelta degli strumenti, pensata in maniera tale da non creare conflitti con i suoni di scena ed i dialoghi. Senza mai scendere in dettagli troppo tecnici, Piovani si è infine soffermato sull’uso psicologico della colonna sonora. Questa può essere descrittiva e didascalica nelle opere a lettura unica, come ad esempio una telenovelas. Ha spiegato quanto la musica abbia un ruolo ancora più importante quando “fa vedere quello che non c’è in scena, quando entra nei personaggi e ne svela tratti non immediatamente visibili”, quando eccita l’attenzione dello spettatore. In questo caso si aprono più livelli di lettura, basati sull’ambiguità del testo, sullo scostamento fra senso e referente.

Interrogato sull’assordante “debordare” delle musiche nelle attuali produzioni cinematografiche, soprattutto americane, il maestro ha stigmatizzato come per una major discografica sia molto conveniente riuscire ad usare un film come trampolino di lancio per un prodotto discografico. La forza della promozione ha inoltre l’effetto collaterale di omologare tutto il mondo ad un tipo di musica, di genere per lo più pop, tutta costruita sul 4/4 e preferibilmente danzabile. “Oggi il 4/4 unifica ritmicamente tutto il globo” ha amaramente ammesso. “Dagli Usa all’India, fino al Giappone e l’Africa, si può ascoltare sempre lo stesso ritmo e ciò è dovuto solo ad una questione di mercato”.

Altro momento importante, è stato quando la rievocazione delle esperienze con Federico Fellini , un unico flusso di tre film nell’arco di dieci anni, condividendo con i presenti gli aneddoti soprattutto sui primi incontri con il maestro di Amarcord . “Con Fellini il lavoro era leggero, divertente scherzoso, sebbene dagli stranieri fosse considerato, in maniera greve, un faro”. Piovani confessò al maestro di aver provato molto stupore nel vedere questo suo approccio così infantile al cinema. Fellini però corresse la sua affermazione dicendo che lui aveva un rapporto più che altro “ginnasiale”. “L’aggettivo”, ha continuato Piovani, “si è rivelato davvero il più appropriato perché il suo modo di disporre il lavoro era quello di un ragazzo che si diverte, che gioca con le storie ed i personaggi”. Ha citato in proposito l’esperienza ne L’Intervista , “un film a scatole cinesi che Fellini portò avanti quasi per scherzo, di settimana in settimana”.

Altra curiosità, Piovani ha candidamente ammesso di aver avuto spesso il desiderio di modificare la sua musica, dopo la visione (e l’ascolto) dei suoi lavori. “Viene sempre il pensiero di aggiungere qualcosa, di voler marcare meglio alcuni dei passaggi, soprattutto in riferimento alla risposta del pubblico. E’ una cosa impensabile al cinema, ma che diviene possibile al teatro o quando faccio dei concerti. Lì, durante le repliche, basandomi sulla reazione degli spettatori, posso pensare ed operare delle modifiche sulle partiture. Da questo punto di vista, il teatro è molto più sti
molante.”.
A tal proposito, il musicista ha riferito di un episodio di densa umanità con protagonista Fellini . Il regista non amava rivedere i suoi film al cinema perché “i film sono dispettosi”, diceva. Gli sembrava infatti che ogni sequenza gradita al pubblico fosse troppo veloce, ed immancabilmente provava il desiderio irrealizzabile di rimontarla. Quando, in occasione di un importante premio, dovette presenziare alla visione di una sua pellicola, cercò tutto il tempo di distrarsi aprendo, chiudendo e stropicciando gli occhi, così da “vedere un altro film e pensare che quello non fosse il suo…”.

Sulla stagione di collaborazione con Bellocchio , il compositore ha spiegato brevemente la parabola che ha portato i due artisti a separarsi quando ebbero intrapreso due strade diverse. Negli anni ‘80 Bellocchio aveva iniziato un percorso che lo portava verso una maggiore ricerca introspettiva dei suoi personaggi. Chiese quindi a Piovani dei commenti musicali che “riassumessero l’intero senso del film”. Il musicista invece era impegnato in una ricerca che dell’essenzialità, verso la sperimentazione di una piena funzionalità fra note e scene. Dopo Gli occhi, la bocca , film al quale lavorò con un certo disagio, Piovani ricevette una nuova richiesta da Bellocchio di scrivere qualcosa per l’ Enrico IV ma, a quel punto, le due carriere dovettero per forza proseguire separate.

In risposta ad una domanda di uno studente, le ultime battute dell’incontro hanno riguardato la capacità della musica di descrivere sensazioni estreme come la morte, in film come La stanza del figlio e La vita è bella . Partendo da un’attenta analisi tematica, Piovani ha distinto nettamente le due opere e, quindi, il suo diverso approccio. Ne La stanza del figlio , Moretti ha messo in scena il percorso di una famiglia nell’affrontare la morte, indebolita dal fatto di non avere “l’attrezzatura culturale” adatta. E’ una famiglia in cui la religione ed i suoi schemi di elaborazione del lutto sono assenti. La musica si inserisce in questa dimensione psicologica di solitudine improvvisa derivante dalla morte, di assenza di conforto, un’instabilità che solo pian piano si compone. Diversa è invece la prospettiva de La vita è bella di Benigni. Qui si parla incessantemente di amore, della forza che ha il protagonista nel sacrificarsi senza riposto per i suoi cari. L’atmosfera è quella di una favola su cui si abbatte la tragedia della storia, dove la musica racconta la vitalità del protagonista, il suo disperato desiderio di vita nonostante tutto. Un’interpretazione sonora così ben riuscita da meritare il premio oscar.

Spazio anche per un commento finale sull’utilizzo delle sue musiche per la pubblicità . Ha infatti affermato che “generalmente è una cosa che non gradisco”. Ha inoltre precisato che i diritti sui temi dei film con Benigni, ad esempio, non sono stati concessi a nessuno, sebbene ben pagati, mentre è capitato, per una questione di fretta e superficialità, che una composizione di Cario Diario sia divenuta commento di uno spot di una nota marca di pasta. “La cosa è abbastanza strana, se non fastidiosa” ha scherzato, “quando ai concerti parte quel brano e si avverte dal brusio che il pubblico conosce bene quella canzone, proprio perché fa parte di una pubblicità. Se una musica nasce per un film, riutilizzarlo per un promozionale la fa deviare dalla sua natura.”

Info sugli appuntamenti

Milos Forman ha un merito innegabile: quando volge il suo sguardo verso il passato, quando piega le sue corde registiche alle regole del film in costume riesce sempre, incredibilmente, ad infondere un’aura di verità ad ogni sua inquadratura.

Non la Verità con la maiuscola dei grandi sistemi di pensiero e degli interrogativi esistenziali sempre vivi in ogni epoca della nostra storia, ma la verità minuta delle piccole cose e dei paesaggi, degli oggetti e dei vestiti. Una dote, quella di cui stiamo parlando che era sommamente espressa in Amadeus (a tutt’ora una delle opere più convincenti e compatte del regista, specialmente se pensiamo alla più compiuta director’s cut ), ma che ritorna esemplare anche in L’ultimo inquisitore (poco comprensibile titolo italiano che traduce a modo suo il molto più suggestivo Goya’s ghost dell’originale).

Il fatto è che quando vediamo una sedia in un film di Forman la nostra impressione è che quella sedia non sia un mero oggetto scenico, ma una sedia “vera” su cui sono andate (e andranno) a sedersi persone “vere” che esercitano su di essa un peso più che concreto. Se vediamo una tavola imbandita piena di ogni prelibatezza sentiamo che quelle pietanze non sono lì semplicemente per far scena (il velo di illusione che è la condanna di ogni film in costume per il quale ogni spettatore è obbligato a ricordare gli anni che intercorrono tra la storia raccontata dalla pellicola e il suo presente nella sala cinematografica), ma che hanno un sapore, una consistenza, un profumo.

Gli elementi che riempiono le inquadrature formaniane, pur nella loro natura finzionale di arredo o di costume per un film che viene ripreso nel presente, sembrano quasi voler rivendicare il loro “uso” nel passato. Avevano uno scopo, un senso, un valore che resta concreto nell’affabulazione del racconto. La loro “realtà” è, insomma, esterna alla sequenza che le ospita e la sedia, che era tale prima che le luci si accendessero sul set, sembra volerci dire, con la sua ingombrante presenza, che continuerà ad essere tale anche quando le luci si spegneranno.

Non sappiamo dire da cosa nasca esattamente questa magia formaniana, ma l’impressione che ne ricaviamo è quella di avere a che fare con un film girato totalmente in esterni, su locations vere. Un’impressione che continua anche quando il trucco un po’ più esibito o la smagliatura di un dettaglio ci rivelano che quella stanza che stavamo osservando era in realtà costruita in studio e che quegli stucchi alle pareti che parevano veri sono, in realtà, frutto del lavoro delle maestranze del film.
Non c’è patinatura, quindi, nelle opere in costume dell’autore. Viene evitato, insomma, il pericolo estremo dell’effetto quadro che tanto funesta le fiction televisive nostrane alla Elisa di Rivombrosa .
Strano dire questo per un film, come Goya’s ghost che, raccontando la storia di Spagna dal punto di vista di uno dei più grandi pittori della Storia dell’Arte (Goya, appunto) è tutto sostanziato da riferimenti pittorici concreti, da citazioni puntuali del grande maestro fino alle ovvie e necessarie riprese dei suoi capolavori. Eppure è proprio in questa frattura tra un’inquadratura alla costante ricerca di dettagli pittorici che riesce, però, a non essere banalmente pittorica risiede forse il più concreto motivo di interesse di una pellicola che, per il resto, ci pare (e ci fa male dirlo) ampiamente fallimentare.

Pur nella sua volontà di raccontare la posizione tragica dell’artista costretto a vivere da testimone nel suo tempo senza poter mai agire, senza riuscire mai ad essere nell’azione, il film risulta, infatti, fallato da una costruzione narrativa troppo vasta ed iperbolica (un difetto di esaperazione dell’impianto che ritroviamo, in fondo, anche se in maniera meno ingombrante anche nell’ultimo film di Coppola Un’altra giovinezza ) che troppo fatalmente condensa un gioco di specchi e rimandi che si muovono tra due generazioni. Un arco narrativo eccessivo, buono più per un lungo romanzo che per un film di appena due ore e che risulta, per questo, poco credibile.

Forse il problema più grande è che mentre in Amadeus la Storia riusciva concretamente ad essere uno sfondo ben messo a fuoco sulle vicende di un individuo eccezionale e per sua natura estremamente interessante, in Goya’s ghost non si crea equilibrio tra il melodramma dei personaggi e il mondo in tumulto che li circonda. E il risultato è appesantito, oltretutto, da un cast fuori parte in cui i personaggi secondari e le comparse sembrano avere più concretezza psicologica dei protagonisti stessi.

Peccato perché le potenzialità del capolavoro c’erano davvero tutte.

La qualità audio-video

Colori corruschi e tinte fosche, neri omnipervasivi sono non solo il tratto distintivo di molti dei capolavori di Goya, ma anche gli elementi distintivi di molte inquadrature del film di Forman. Molte scene sono fondate su condizioni luministiche precarie, su colori terragni ai limiti di un buio che tutto sembra voler ingoiare (il buio dell’inquisizione, a pensarci). La pellicola, insomma, doveva rappresentare una vera e propria sfida per i tecnici chiamati a comprimerla sulla superficie di un piccolo disco digitale. A guardare il risultato ci pare di poter affermare che tale sfida è stata solo parzialmente vinta. Pur se non si evidenziano, infatti, durante la riproduzione pesanti segni della compressione, non di meno si ha l’impressione che parte della tavolozza formaniana sia stata sacrificata sull’altare della sintesi dei numeri binari. Ne risulta un quadro un po’ troppo piatto e una relativa carenza di sfumature nelle scene più scure.

Decisamente migliore la resa sonora del film che si avvale di una codifica 5.1 pulita e discretamente avvolgente.

Extra

I contenuti speciali sono la vera nota dolente del pacchetto dvd offerto dalla Medusa.
Al di là di poco interessanti interviste e di un troppo breve backstage c’è spazio solo per trailers e promo che lasciano decisamente il tempo che trovano. Forse un doppio disco con un buon documentario sull’arte goyesca sarebbe stato più gradito.

( Goya’s ghost ); Regia : Milos Forman; interpreti : Javier Bardem, Natalie Portman, Stellan Skarsgard; distribuzione dvd : Medusa Home Enterteinment

formato video : 2.35:1 audio: Dolby Digital 5.1 (italiano e inglese) sottotitoli : italiano per non udenti

Extra : 1) Promo 2) Interviste Cast e Tecnici 3) Sul Set 4) Trailer 5) Trailer originale